nyaskivor.se

Girlschool ”WTFortyfive?” (Silver Lining/Warner)

Att skolan är stängd för sommarlov hindrar inte Girlschool från att släppa sitt 14:e studioalbum och dessutom fira 45-årsjubileum. Vart kan då pekpinnen landa den här gången? Blir det ris eller ros? Mina förväntningar var inte direkt skyhöga, men det visade sig att det pensionsgrundande tjejbandet från London hade mer att ge.

Albumet är fullpackat med deras varumärken som är kantad av grym och klatschig attityd. Dessutom är sammanknytningen med band såsom t.ex. Motörhead och Saxon uppenbar, men hjärtat och själen i deras egen övertygelse har genom åren alltid varit konsekvent och är fortfarande förhärskande till dags datum.

Uppropet med den repetitiva It Is What It Is ger ett lågt ingångsvärde för vem i hela världen behöver en sång med den irriterande parollen? Saker och ting förändras emellertid radikalt när Cold Dark Heart pumpar upp hjärtfrekvensen. Det häftiga trycket som genereras av rytmsektionen väcker uppmärksamhet och bandets uppstaplade ljudvägg är ett välkomnande åtagande att hantera för en headbanger.

Den ostoppbara frontkvinnan Kim McAuliffe (gitarr, sång) som har hängt med hela vägen räds inte för att tränga in i spöklika världar som Bump In The Night eller den om än inte mindre smittsamma Invisible Killer. Det får en inbiten hårdrockare som mig själv att övertygas om att det inte finns något pensiondatum för tung rock.

Referenser till klassiska rock- och metallåtar får fler nickningar än det går att hantera, så fastän gitarrvirtuosen Joe Stump är inbjuden till Are You Ready? så är resultatet det samma. Det etablerade soundet med den djupt rotade identiteten och det upproriska sinnet leder bara till en beroendeframkallande kvalitet som inte går att motstå.

Den förenklade slagdängan Party är övertygande på så sätt att det aldrig finns ett tråkigt ögonblick och att var ton har sin plats. Den busiga kaxigheten och det ljudtrogna uttrycket för otämjd glädje är en hyllning till sjuttiotalets glamrock både när det gäller musik och text. Det är också lätt att hänga med i de läderklädda brudarnas allsång även om jag hade föredragit dem klädda i respektfulla skoluniformer.

Born To Raise Hell förenar slutligen de hårdslående och tillika högljudda damerna med hela kavalleriet bestående av Biff Byford (glad som en speleman), Phil Campbell och Duff McKagan som unisont cementerar en dräpande Lemmy-hyllning. Om inte de nya låtarna har fått fäste ännu, så borde den här klassiska metal-hälsningen bli en väckarklocka som får alla bitarna att falla på plats.

Thomas Claesson

Tygers Of Pan Tang ”Bloodlines” (Mighty Music/Sound Pollution)

I och med den här utgåvan så känns det väldigt avlägset och föga fängslande att Tygers Of Pan Tang gjorde en cover på Love Potion no 9 i början av åttiotalet. Många drar sig säkert också till minnes att gitarristen och sedermera Thin Lizzy-medlemmen John Sykes ingick i bandet vid den tiden, men det är som bekant bara kuriosa av akademisk art.

Bandet bildades 1978 på en pub i den lilla kuststaden Whitley Bay strax nordost om Newcastle upon Tyne. Den enda i bandet som vet hur den ölen smakade är gitarristen Robb Weir. Resterande medlemmar som är fyra till antalet har tillkommit från millennieskiftet och framåt. Bandnamnet härstammar från en fantasy-serie där trollkarlar håller tigrar som husdjur.

Det här albumet faller in under epitetet New Wave Of British Heavy Metal och det på ett alldeles förträffligt sätt. Det är en sak om låtmaterialet är enastående. En annan sak om musikerna är talangfulla, men för att få till det lilla extra krävs en producent som lyfter materialet ett snäpp till.

Det är här den danske producenten Tue Madsen kommer in i bilden. Han har lyckats med konststycket att modernisera det traditionella Tygers-soundet och återskapat precis det som eftersträvades. Fräscht material som har DNA från det förflutna är nyckeln till den magi som alstras här.

Edge Of The World startar upp föreställningen på ett mäktigt sätt. Särpräglad i sin utformning tack vare de orientaliska inslagen som alltid är berikande. Här får hela bandet tillfälle att briljera med trollbindande solon, solida rytmer och skönsång. Lägg därtill den tonperfekta produktionen och njutningen är komplett.

Att Italien har fostrat många bra sångare är ingen hemlighet och just därför levererar även Jacopo ”Jack” Meille sången helt kristallklart, men inte bara med full kontroll utan också med enorm disciplin under de längre tonerna. Trippeln In My Blood, Fire On The Horizon och Light Of Hope visar prov på denna extraordinära sångprestation helt befriad från hyperhöga skrik.

Något alldeles extra är otvetydigt Back For Good som triumferande träder in på arenan med alla element föredömligt placerade. Det melodiska anslaget i symbios med klingande metal blir till en förförisk förening som tränger in i medvetandet med överväldigande smakfullhet. Ljuvliga toner för en gammal hårdrockare.

Som alltid i sådana här sammanhang flikas det in ballader av den högtflygande karaktären inte minst för att få en stunds andhämtning innan intensiteten ånyo höjs. Taste Of Love är först ut med sin kamp för att komma loss från skuggorna och få ett meningsfullt liv med hopp om en gnutta kärlek. Making All The Rules å andra sidan fokuserar på barn fångade av livsomständigheter som leder till katastrofala val. Gripande ämnen med desperat tonsättning.

Bloodlines är en skiva som enkelt lyckas balansera hela bredden av alla beståndsdelar som utgör bandets identitet. Efter 45 år in i karriären finns det inga tecken på fåfänga utan bara en strävan att kanalisera sina ansträngningar och skapa engagerande och spännande musik.

Det känns som om skrivandet och framförandet av denna skiva inte var betingad med några svårigheter överhuvudtaget. Här finns massor av uppsluppen och tilltalande underhållning för det är så det blir när ett gammalt band minns sina tricks långt in i modern tid. De har helt obesvärat slängt ihop ett album och sedan gått ut på den lokala puben och tagit en öl precis som om det skulle ha varit den mest självklara saken i världen.

Thomas Claesson

Winger ”Seven” (Frontiers/Playground)

Det är inte många band som i stora drag har lyckats med att hålla ihop sin besättning i lite drygt 35 år, men Winger är en av de få utvalda. De bildades i New York och åtnjöt initiala framgångar under sin första verksamhetsperiod med den självbetitlade debutskivan från 1988 i första ledet.

Deras kollektiva kraft och virtuositet verkar vara ograverad när de till syvende och sist släpper sitt självförklarliga sjunde album. Och vid det här laget är de naturligtvis väl medvetna om vad deras publik vill ha så de har inget behov av att återuppfinna sig själva.

Trots att det har gått en ansenlig tidsrymd sedan förra albumet Better Days Comin’ (2014) så känns det som om de aldrig har varit frånvarande. I synnerhet inte när jag knappt har hunnit sätta mig tillrätta förrän Proud Desperado kommer farande som ett frustande lokomotiv med dunder och brak. Det är en remarkabel inledning som direkt växlar fokus i den efterföljande Heaven’s Falling med nedskruvat tempo och hjärtskärande spörsmål.

Tack vare de medryckande gitarrerna galopperar Tears Of Blood med sitt melodrama i bagaget mot mer äventyrliga pomprock-hymner. Reb Beachs distinkta riff backar upp den obevekligt apokalyptiska textremsan. Bryggan som känns familjär lotsar sedan in ett tajt gitarrsolo innan de hamrande rytmerna avvecklas med en pust av välmående.

Även om basisten och sångaren Kip Winger har en röst som är få förunnat så hjälper det föga till att lyfta den krystade Voodoo Fire som betänkligt hackar i maskineriet. Likaså tickar Time Bomb mödosamt igenom sina gott och väl 4 minuter bara för att slutligen falla handlöst ut i tomma intet.

När allt kommer omkring snurrar albumet på en beprövad och pålitlig väg. Den melodiska hårdrocken finns här, skönsången likaså, men med det avslutande eposet It All Comes Back Around tränger Winger oväntat igenom den progressiva hinnan med insikten att livet inte är en fest längre utan att smäktande toner med meningsfulla tankar kan få det att kännas bra mycket bättre.

Thomas Claesson

The 69 Eyes ”Death Of Darkness” (Atomic Fire/Warner)

Nattens demoner är tillbaka för att hemsöka dina högtalare. Bandet som grundades i de ockulta kvarteren i Helsingfors för över 30 år sedan trivs bäst när mörkret faller så att de kan bli ett med de få kvarvarande skuggorna. I frånvaron av ljus söker de sig fram i sin nervkittlande strävan efter ohämmad melankoli.

Den musikaliska inriktningen visar på en selektiv förkärlek för sjuklighet, glamour, sex och det övernaturliga vilket förkroppsligar dessa nattdjur med både den dimmiga andemeningen av nordisk gotisk rock och den durkdrivna pulsen från Los Angeles och Sunset Strip glam. Känn dig förföljd om du tar din tillflykt till någon av de här domänerna.

När Elvis Presley gick ur tiden den 16 augusti 1977 så frågade den då åttaåriga Jyrki Pekka Emil Linnankivi sin mamma vem det var. Han sjöng rock ’n’ roll svarade mamman. Det ska jag också göra när jag blir stor svarade Jyrki utan att blinka. Och så rätt han fick för nu som 54-åring trollbinder han oss med sin djupa Elvisinfluerade barytonröst när han sprider sitt unika goth ’n’ roll-evangelium.

The 69 Eyes intentioner klargörs redan från början med titelspåret. På ett raffinerat sätt möter den starka melodin med deras lynniga gothsound den svulstiga refrängen som får blodet att isa sig. Den tidlösa Jyrki 69 är helt klart i sitt absolut rätta element och har sällan låtit bättre vare sig han framställs som Helsinkis eller Hollywoods rockstjärna.

Både Drive och Gotta Rock rullar vidare på säkert territorium. Med sin pådrivande energiskt gungande drivkraft uppfyller de båda alla tänkvärda önskningar och förväntningar. Några vilt kämpande solstrålar tar sig visserligen igenom det mörka molntäcket när California besjungs, men det är bara för att befästa The 69 Eyes ställning som ohotade i sin egen genre.

This Murder Takes Two bryter av mönstret tvärt eftersom vi hamnar mitt i en vemodig duett med Kat Von D som gästsångerska. En behjärtansvärd countryrockdröm utförd med en salig enkelhet av beröring och bara en svag antydan till ondska. Det gör tilldragelsen lika mytomspunnet som forna historier om Bonnie och Clyde.

Death Of Darkness är mångfacetterad och har utan tvekan den omhuldande potentialen att dra nya lyssnare in i mörkrets djupa, dystra besvärjelser. De blodsugande gengångarnas olycksbådande trettonde album tillgodoser oss med en ny uppsättning kärlekssånger med bett riktade till mörkret i oss alla. Kom ljuva död och ta en drink med mig. Natten är ung och livet är kort.

Thomas Claesson

Saxon ”More Inspirations” (Silver Lining/Warner)

De brittiska heavy metal-legendarerna Saxon fortsätter med sina arkeologiska utgrävningar och släpper ännu ett coveralbum med musik som har haft inflytande på deras verksamhet. Om 2021-års Inspirations i högre grad var förutsägbar med intryck från Stones och Zeppelin så tar uppföljaren ut svängarna i större utsträckning.

Går det att att leva med att Biff Byfords omisskänsliga röst överskuggar Eric Burdons djupa stämma i We’ve Gotta To Get Out Of This Place så är underhållningen accepterad. Om inte så återsår en lång dags färd mot natt. Verkligheten blir uppenbar då ett stildefinierat band som Saxon presenterar varje låt som både en välsignelse och en förbannelse för faktum kvartstår att Saxon låter alltid som sig själva.

Det är ändå en välgärning att The Sensationel Alex Harvey Band och The Faith Healer tas upp med en sån intensitet. Det visar att det inte bara är jag som tillhör beundrarskaran. Ett remarkabelt stycke rockteater som aldrig var avsett att bli en singel med sina drygt sju minuter. Här följer Saxon den kristalliserade vägen med den mörka känslan av dramatik som förvandlas till något verkligt magiskt.

Det kittlade till lite när From The Inside dök upp, men det berodde på att jag aldrig hade hört låten förrut. Upphovsman är Vincent Furnier, mera känd som Alice Cooper. Sen hoppar Saxon i galen tunna när de tar sig an ZZ Tops Chevrolet. I det lugna tempot blir de helt enkelt fel instution för att hålla en Cheva på tomgång utan att motorn storknar.

Resan i det musikaliskt förflutna fortsätter med The Whos Substitute och Uriah Heeps Gypsy. Båda oslagbara klenoder, men även om de är behandlade med respekt i Saxons ägo så leder det ingen vart mer än till en bekräftelse på att originalen är värdebeständiga.

Det går inta att sticka under stolen med att ju mer låtar som trillar in så blir de desto mer färgade av det egna intresset. Så även om Nazareths Razamanaz passar bättre på Saxons palett så ligger Tales Of Brave Ulysses av Cream mycket närmare mitt hjärta. Det konservativa utförandet trycker nämligen tillbaka intresset till skillnad från när Deep Purple var ute i samma ärende med Turning To Crime (2021) ty den hade fördelen med att ha glimten i ögat.

Saxon hade sin storhetstid för drygt 40 år sedan och där finns det mycket godis att plocka. Att däremot ställa sig i kö för att grabba åt sig inte bara en utan två coverskivor på kort tid tillgodoser inte suget efter sötsaker. De kunde lika gärna ha lagt ut en lista med låtarna på sin hemsida.

Thomas Claesson

RPWL ”Crime Scene” (Gentle Art/Sound Pollution)

RPWL från Freising i södra Tyskland hade svårigheter att hitta på ett bandnamn när de bildades 1997, så de valde en kombination av första bokstaven i de fyra medlemmarnas efternamn. Ett skämt enligt vokalisten, keyboardisten och låtskrivaren Yogi Lang vilket visar nivån på tysk humor på ett talande sätt.

På Crime Scene sprider konstrockarna lärdom över kriminella händelser och den slumrande ondskan som ligger och lurar lite varstans. Manuskriptet är fördelat på sex låtar med svävande melodier och tankeväckande lyrik rörande avgrunderna i ett mänskligt beteendestpektra med all dess oförutsägbara mångfald.

Efter att ha haft ett ursprung som ett Pink Floyd-tributeband med Langs röst snarlik David Gilmours så har bandet successivt utvecklat sin egen distinkta stil. Den välpolerade progressiva rocken har rönt framgångar vid ett flertal tillfällen under åren med album såsom Beyond Men And Time (2012) som en bidragande orsak till deras storhet.

Den inledande Victim Of Desire fyller gott och väl ut åtta minuter och lägger sig till en början på en plats med mjukare passager och behagliga harmonier. Vartefter tiden fortskrider byggs de hotfulla instrumentalpartierna upp i ett försök att återskapa en seriemördares splittrade sinne. Staccato-variationerna som bidrar härtill utförs av den andra av de två kvarvarande originalmedlemmarna, gitarristen Kalle Wallner.

Låten med det bedrägligt söta namnet Red Rose vaggar fram med en akustisk gitarr som vägledare. Villfarelsen att något gott kommer ut grusas snabbt när den perversa besattheten av nekrofili grävs upp från djupet. På ett besynnerligt sätt pendlar balladen prosaiskt i mjuka toner när de inblandades röster ställs ansikte mot ansikte.

A Cold Spring Day In ’22 vankar av och an med ljusa och luftiga melodislingor. Det är utmanande att konfrontera lättheten i musikstilen i kontrast till det mörka temat. Här åskådliggjort av en händelsen som inträffade i Bayern 1922 där ett hemskt massmord som aldrig blev uppklarat utfördes. Det visar också att det i princip oförenliga ämnet ändå är hanterbart i en tonsättares sinne.

RPWL är visserligen inte de första artisterna att beröra mörka teman i sin musik. De har likaväl lyckat skapa ett kriminellt spännande verk med en konstnärlig reflektion över ett mycket svårt och utmanande ämne. Dessutom har de med Crime Scene förvandlat musik till konst, skapat ett gourmetalbum för musikentusiaster och skrivit en deckare av Stephen King-klass.

Thomas Claesson

The Cold Stares ”Voices” (Mascot/Border)

De två vännerna Chris Tapp (gitarr, sång, låtskrivare) och Brian Mullins (trummor) har hållit ihop som ler och långhalm i över tio år nu med många svettiga spelningar på klubbar vitt omkring. De två amerikanarna hemmahörande i Indiana har emellertid inte bara övertygat live. Deras fem studioalbum har även presenterat en bluesig rootsrock med avsevärd uppfinningsrikedom.

Med Voices slackar duon på kedjorna och välkomnar basisten Bryce Kluehs ankomst. Den konstnärliga befrielsen släpper loss blandningen av blues, sydstats – och hårdrock till nya höjder. Det nyanserade och smått äventyrliga tillvägagångsättet (för dem själva) bidrar till ett djärvt och rått opolerat ljud som känns både ärligt och spännande på en och samma gång.

Att det skulle ta så lång tid att nå den punkt där de insåg att de inte längre troget skulle kunna återskapa sina låtar live som en duo känns märkligt. Det är ju ändå en betydande skillnad att inta scenen och spela tillsammans med förinspelade bakgrundsspår eller att äga arenan och beträda den som ett kraftfullt tremannaband.

Allt elände som kan drabba en människa frigörs i den obestridliga Nothing But The Blues. En titel som är genuint äkta för närmare än så här går det inte att komma bluesens innebörd. Lyriken radar upp en mängd olycksaliga scenarier som kan drabba var och en oss, men till syvende och sist finns bluesen som en räddare i nöden. Ingenting kan vara sannare än det här. Tro mig.

Med gitarren kopplad till fuzzboxen fortsätter Come For Me på den inslagna vägen med backspegel inställd på slutet av 60-talet och Jimmi Hendrix i blickfånget. The Joy sätter kompassen mot söder med en suggestiv melodi och en frälsande refräng som skulle få Warren Haynes (Gov’t Mule) att skina ikapp med solen alla dagar i veckan.

Cream-influenserna finns här också bara man vet vart man ska leta. Sätt ner den lilla nålen på pickupen i höjd med Got No Right och en annan högt värderad genklang är tillgodosedd. Ställs okularet in på kikaren så kan till och med Led Zeppelin skymtas långt bort i fjärran. Sinnerman blir till en sådan illustration.

Två låtar med en helt annan karaktär är Sorry I Was Late och Throw That Stone. Båda helt avskalade. Båda kryper in under skinnet. Den förra endast ackompanjerad av keyboard (Chris Tapp). Den senare med akustisk gitarr och kvinnlig bakgrundstämma. Två exempel på vad musiker med fallenhet kan uppnå om de vill förändra sinnesstämningen.

Chris Tapp är en övergiven resenär förtärd av ånger, ensamhet och desperation som leder sina följeslagare på livets steniga väg. Trött, men ändå motståndskraftig. Hård, men ändå sårbar. Tillsammans har de funnit den svallande kraften som gör dem till iskalla killar fulla av mänsklig värme.

Thomas Claesson

Savoy Brown ”Blues All Around” (Quarto Valle/Border)

Med detta postuma album tar historien om ett av världens äldsta bluesband slut. Savoy Brown bildades 1965 och har färgat den brittiska blues med en meritlista som omfattar mer än 40 album. Mannen bakom bandet – Kim Simmonds – hann just slutföra inspelningen innan beskedet om hans bortgång kom i mitten av december förra året. Bara en vecka efter hans 75-årsdag.

Alla låtarna är skrivna av Simmonds som visste att slutet var nära, men ändå ansträngde sig till det yttersta med gitarr och sång precis som om han hade många år kvar att leva. På albumet återfinns också hans trogna bandmedlemmar basisten Pat DeSalvo och trummisen Garnet Grimm vilket gjorde att hela proceduren med färdigställandet löpte så friktionsfritt som möjligt.

Att det rör sig om ett avskedsalbum där lyriken återspeglar saknad och minnen råder ingen tvekan. Det 42 sekunder långa introt som öppnar albumet med långsam elektrisk blues och den enkla raden Falling Through som upprepas med intervaller kunde ha varit svår att begripliggöra om man inte kände till sammanhanget.

Black Heart däremot har alla de företräden som kännetecknar en bra blueslåt av det rockigare slaget. Den allvarliga rösten beskriver saknaden av sin kvinna som lurar och sviker honom. I Going Down South bär det av till Louisianas träskmarker med mycket smärta och djup i sinnet för det annalkande bittra slutet närmar sig.

Titellåten i sig själv ger en upphöjd stämning även om eländet i följe med textraderna ligger där i bakgrunden och grinar. Den lugnande orgeln och den inslängda koskällan piggar upp humöret högst betänkligt. De lössläppta rytmiska variationerna i samspel med det strålande gitarrspelet släpper in ljus från forna glansdagar.

Winning Hand leder vidare på det vinnande spåret med traditionell blues. Nu med en långsamt brinnande låga med strategiskt inlagda gitarrslingor hela vägen. Den drivande slidegitarren tar över i Hurting Spell och visar prov på en förmåga utöver det vanliga. En angenäm utflykt som i följe med Simmonds känsloladdade röst ger uttryck för inlevelse och passion.

En av vår tids största blueslegender har gått ur tiden, men han lämnar efter sig en stor låtskatt där Blues All Around är ett högt bidragande inslag. Han föddes med bluesen i ådrorna. Han levde med bluesen som sitt kall hela livet, men han tog inte med sig bluesen i graven för hur än det kommer sig har bluesen evigt liv.

Thomas Claesson

Godsmack ”Lighting Up The Sky” (BMG/Warner)

Sedan 1995 har Godsmack från nordöstra hörnet av USA varit sig själva trogna när det gäller all musikalisk utveckling och uppfinningsrikedom. I grund och botten kan de hänföras till hårdrock. Dessutom finns en lätt grunge samt alternativa och moderna metalfragment vilket gör amerikanarnas musikstil specifik.

Den breda repertoaren är inte nödvändigtvis anpassad för den traditionella rockaren. Snarare får de moderna och självutnämnda mer avancerade rockarna sitt lystmäte tillgodosett. Bandet med sin förbehållslösa närhet till folket har ju alltjämt mycket potential, vilket också bör kunna fascinera de som står utanför den allra snävaste cirkeln.

Oss emellan så är den utdragna reverseringen som inleder You And I en tilldragelse som kan ta vägen vart som helst. Dess bättre utvecklar det sig till ett massivt rocknummer med knastriga gitarriff och lössläppt sång som med eftertryck tillkännager att Godsmack definitivt kommer att gå ut på deras egna villkor.

Den andra singeln som släpptes var den tillrättalagda Surrender som erbjuder allt man kan förvänta sig av Godsmack. Med uppbyggande hårdrocksgitarrer som strävar mot en hängiven refräng så kan ju ingenting gå fel. Lägg därtill en lyrik som bearbetar känslostormar och publikhaven på världens arenor lär komma i gungning med allsången högt klingande i skyn.

Till de som vill tända ljuset på mobiltelefonen och pendla med armen en stund så framträder den avslöjande balladen Truth som det perfekta alternativet. Den ambienta vågen av orkesterstrofer och pianobroderier i följe med den dramatiska lyriken som beskriver ett förhållande i splittring blir till en övertygande gestaltning full av lidelse.

Om du i stället är ute efter ursinniga rockdräpare så står Hell’s Not Dead och Soul On Fire i skuggorna och lurar. Båda titlarna som synes självförklarande och dessutom i besittning av ilskna gitarrer med retrodoft som ger det typiska Godsmacksoundet. Rakryggat och förutsättningslöst levererat med temperament och slagkraft.

Avslutande titelspåret visar upp en fogligare sida vilket lämnar lyssnaren att inse hur moget bandet har blivit. Här är den aggressiva tonen åsidosatt till fördel för sublimitet och eftertänksamhet. Säkert och troget, men fyllt av återblickar och tillkortakommanden lotsas sången vidare mot det upphöjda slutet som med beslutsamhet bryter igenom livets vedermödor.

Elva låtar för att lysa upp himlen. Elva sidor i en självbiografisk dagbok där sångaren återger den resa som han har varit huvudpersonen i. Tillfredsställelse och nostalgi i en bitterljuv känslomässig virvelvind av det slag som krävs för att fullborda den metaforiska historien.

Thomas Claesson

Delain ”Dark Waters” (Napalm/Border)

Ryktet om de nederländska symfoniska metalpionjärerna Delains död är betydligt överdrivet. Grundaren och eldsjälen Martijn Westerholt har nämligen ombesörjt att en ny line-up reser sig ur askan och inget fan lär bli besviken över den nya konstellationen. Två f.d. originalmedlemmar samt den nya basisten Ludovico Cioffi och sångerskan Diana Leah ombesörjer att vägen framåt är säkerställd med både förtrogenhet och stimulans.

Det var förstås inte att förvänta sig att Delain skulle låta fundamentalt annorlunda med den nya besättningen för Westerholts göromål är ju trots allt att förutom att vara keyboardist även att skriva låtarna. Så det vinnande konceptet fortskrider oförtrutet med hemtama orkesterarrangemang förstärkta med moderna nyanser som smälter samman perfekt med den nya vokalistens sköna stämma. Reinkarnationen är utan omsvep befäst sprudlande av nytänd energi.

Hideaway Paradise slår upp portarna på ett karakteristiskt sätt för Delain. Keyboardstrofer med medryckande refränger kombineras med metalfärgade strängar i en strävan att uppnå en accepterad balans. Den här gången blev det lite för spralligt med insyltade popinfluenser som går i bräschen.

När The Quest And The Curse släpps loss med stampande riff och lagom anpassade growls förstärks det bombastiska soundet. Diana svävar fram som den utvalda sångfågeln hon är högt över den kompakta ljudmassan. Stäm-och körsången förstärker helhetsintrycket som bärs fram av den dramatiska orkestreringens framfart.

Att Diana Leah bördig från Transsylvanien har bra bett i rösten framgår tydligt i Moth To A Flame. Balansen mellan komfortabel tyngd och en mjukare röst som inte skyr den ena eller andra högre tonen stäms av på ett fördelaktigt sätt. Bryggan som fälls ut över oroliga mörka vatten bär slutligen upp den storstilade slutklämmen.

Huvudnumret är personifierat av Invictus som i sig själv är en fullmatad rockopera. Det körledda dramat backas upp av dels Marko Hietala (f.d. Nightwish) som för många är ett kärt återseende samt Paolo Ribaldini (Seraphiel, Skiltron). Den framåtsträvande förseglingen där klassisk musik varvas med metal leder till ett klimax som inte lämnar någon besviken.

Som det mystiska spökskeppet ’den flygande holländaren’ seglar Stephen King-fiktiva Delain över mörka böljande vågor med medryckande melodier i sin last. Den musikaliska sofistikationen hålls samman med Dianas näktergalsliknande stämma som spänner från pop via film-och dataspelsmusik till explosiva inslag av blixtrande metal. Tydligen har jag accepterat inslagen med pop för det kan väl ändå inte vara så att jag har blivit drabbad av den fruktade mellofebern?

Thomas Claesson