nyaskivor.se

Leaf Hound ”Once Bitten” (Repertoire)

Frank Zappa var på sin tid mycket produktiv. Han kunde emellanåt släppa tre album på ett år. Detsamma gäller inte för Leaf Hound som i och med ’Once Bitten’ ger ut sin blott tredje skiva sedan de bildades 1970. Visst är det anmärkningsvärt och en fotnot till bandet som döpte sig efter en lövtäckt hund som återvänt från de döda i en skräckhistoria av Ray Bradbury. På den tiden var Leaf Hound det engelska bandet som hade ett stort inflytande, men som kanske aldrig blev riktigt erkända själva.

Deras banbrytande debutalbum ’Growers Of Mushroom’ släpptes 1971. Har du det i din hand så kan du känna dig lycklig. Det är nämligen ett mycket eftertraktat samlarobjekt och dessutom får du på köpet en berusande blandning av hårdrock, psykedelika, stonerrock och blues i en mycket potent utformning. Lägger du örat mot marken kan du tydligt höra alla banden som de påverkade genom sin musik. Om inte Leaf Hound existerat så hade förmodligen hårdrockens gång genom sjuttio – och åttiotalet varit väldigt annorlunda.

Nuförtiden är det bara sångaren Pete French som återstår av den ursprungliga konstellationen. Trots att han är brittisk har han ändå en stark amerikansk accent som färgar musiken ganska kraftigt. De 13 låtarna levereras på ett uppfriskande och extremt underhållande sätt. Kombinationen av tung rock, här och var lätta stonerelement samt 70-talspsykedeliska mellanspel är tack vare den moderna produktionen väl omrört och skakat så att det välkända förflutna återupplivas på ett fräscht och oanvänt sätt.

Burn The House Down inleder albumet med rik och bred ’tappa brallan’- rock. Dra åt svångremmen för här blir det åka av. Vill du sjunga med redan nu, snälla gör det, känn dig fri. Entusiasmen är överväldigande när den tidlösa hårdrocken utan krusiduller gungar rakt framåt på ett behagligt gammaldags sätt. Gitarristen Luke Rayner riffar utan att tveka och tar sig in i medvetande på ett mycket övertygande sätt utan att för den delen ställa sig för långt i förgrunden.

Med lätta steg trippar Cinderella in i rummet och blickarna följer henne instinktivt. En låt värd att omfamna tack vare den skönt svängande rytmen. Bluesiga Broken Dreams går ner på en lägre växel när Peter Herbert lägger in sin gungande basgång. Frenchs kraftfulla lite raspiga sång anpassar sig med förtjusande charm och som stöd har han ingen mindre än sin son Dominic French på trummor.

Den bitterljuva balladen Watching Life’s Wheel är väldigt stämningsfull och känslomässigt realiserad. Ett genuint försök att dämpa ångesten som skapas av det moderna hamsterhjulet som vi lever i. Medan det levereras mid-tempo-låtar med jordnära element här och där så jagar Leaf Hound dig slutligen obevekligt genom gatorna med Yippie Ki Yay och det på ett nästan massivt maniskt sätt. Polissirenerna tjuter högt i kvarteren och wah-wah-pedalen ger ingen nåd.

Retrokunniga fans och musikälskare med en förkärlek för sjuttiotalsljud med nutida produktion kommer verkligen att njuta av ’Once Bitten’. Det finns inget ”nytt” med vad Leaf Hound gör, men du måste tänka på att de gjorde den här formen av (mycket) tung rock före nästan alla andra band och det duger gott även nu. 18 år efter senaste skivan (Unleashed) och mer än 50 år efter deras debut är Leaf Hound långt ifrån förbi sin kulmen. Deras högenergiska liveshower och det nya albumet är det bästa beviset på detta.

Thomas Claesson

The Dead And Living ”Damage” (Digitalt: Rexius Records / Vinyl: Black Cult Records)

Efter 2019 års kritikerrosade The Author’s Curse är värmländska The Dead And Living tillbaka. Den här gången med ep-skivan Damage vars fyra låtar har en speltid kring fyra minuter vardera vilket ger sisådär 16 minuters musikunderhållning. För underhållning är precis vad det är.

Det ligger i en recensents natur att jämföra artister med varandra men alltså… Jag gör det enkelt för mig och beskriver The Dead And Living på samma sätt som när jag skrev om The Author’s Curse; hård rock (observera mellanslaget) med en stark dragning åt det mörka hållet. Men allt är inte mörker. Den flitigt förekommande ljusa körsången gifter sig väl med de genomgående starka gothtongångarna och landar i något som kan liknas vid en sakral känsla.

Apropå sång har sångaren Martin ”Coroner” Gronert den här gången överlag riktat in sig på mörk pratsång som ofta viskas fram. På det sättet uppstår en smaskig kombination av mörker och ljus, när hans mörka stämma möter den ljusa körsången.

Titellåten Damage är ett klockrent exempel på det och den här typen av pampig goth med industriella inslag har en svårslagen förmåga att leta sig in i hörselgångarna – för att bli kvar där. Refrängen sitter som en gubbkeps på en förare som kör 70 km/tim på en 100 km/tim-väg.

Stilpoäng delas ut för stoppet i slutet av låten. Allt blir nästan helt tyst och sedan – bom! – slår refrängen till med full kraft hela vägen in i mål.

Även Demons Till I’m Dead bygger bo i skallen och även här är det refrängen som är det starkaste vapnet; den går bara bara inte att motstå och jag går all in.

Textmässigt är det stort fokus på tankar om rymden och jorden sedd utifrån och att lyssna på musik har nog aldrig tidigare varit så ”filmiskt” som på Damage.

Jag tänker att om David Bowie (vila i frid) hade varit gothrockare år 2025 så är det inte svårt att tänka sig att det är ungefär i det här ljudlandskapet som hans farkost hade landat.

Det är komplext och luftigt på samma gång och med stor närvarokänsla varenda sekund. Som lyssnare känner jag mig delaktig i en rymdmässa av något slag, under ledning av ”Coroner”, och det är verkligen inte illa pinkat av värmlänningarna.

Minus? Det är väl att de fyra låtarna är väldigt nära besläktade vilket i och för sig även kan vändas till en fördel; more is more. Om något är bra är väl det bästa att få mer av samma vara, som Yngwie Malmsteen skulle säga.

Faktum är ju också att som så ofta med musik visar sig små detaljer som bryter mönstret vid upprepad lyssning. Som till exempel ovan nämnda stopp i titellåten.

Den stora frågan är nu om nästa skiva kommer att fortsätta på den här inslagna linjen eller om det blir mer av rivigt rockiga elgitarrer eller något mitt emellan. Känner jag The Dead And Living rätt kan det till och med bli något helt annat…

Magnus Bergström

Dirkschneider ”Balls To The Wall Reloaded” (Reigning Phoenix/Playground)

Vi skriver 2025 och Udo Dirkschneider med manskap tycker att Accept-klassikerskivan Balls To The Wall (1983) ska firas i form av en nyinspelning.

Rimligt om vi tänker på att bandet Dirkschneider – ej att förväxla med bandet U.D.O. – framfört och kommer att framföra skivan i sin helhet på turné. Det är dessutom ett faktum att vi som för stunden befinner oss på jordklotet behöver ta alla chanser som erbjuds att fira vad det än må vara. Men ändå…

Knorren som erbjuds är att Udo har olika duettpartners i varje låt och då får vi ju faktiskt mer eller mindre nya tolkningar av låtklassikerna. Det gör att ett par av dom får lite av ett nytt liv medan ett par andra bara ger en jaha-känsla.

Först ut är förstås titellåten i vilken jag gillar de små gitarrsolodetaljerna som är nya men givetvis är större delen av ursprungssolot kvar. Joakim Brodén (Sabaton) som duettpartner till Udo gör det okej, men nog trodde jag att han skulle ta i mer för kung och fosterland när han fick chansen att leva ut sina innersta heavy metal-drömmar.

Fight It Back får lite av ett nytt liv när Mille Petrozza (Kreator) och Udo skrikduellerar. Det är sannerligen inte skönsång på menyn men jag tycker att låten överraskar positivt tack vare att det är lite skit under naglarna, så att säga.

Diamanten på skivan är Losing More Than You’ve Ever Had med en briljant Michael Kiske (Helloween) i strålkastarljuset. Tysk heavy metal i klassisk stil blir inte bättre än så här. Observera förresten ”synttrummorna” som hörs lite smått i bakgrunden; en skön passning till 1980-talet.
Love Child tycker jag personligen är en av de svagaste låtarna men här blir den istället ett utropstecken när Ylva Eriksson (Brothers Of Metal) tar i så att det knakar och visar vilka finfina röstresurser hon förfogar över.

Som vanligt när hårdrocksdrottningen Doro Pesch är i farten hörs det tydligt att hon älskar heavy metal över allt annat. När duon tar ton i Winter Dreams blundar jag och vips ser jag för mitt inre en leende Doro som lyser ikapp med vintersolen, samtidigt som Udo står bredvid och småmyser med antydan till ett leende på läpparna.

Kommer jag att återvända till Balls To The Wall Reloaded? Kanske en och annan gång för enstaka låtar, men att lyssna från början till slut lär knappast inträffa igen. Det finns liksom ingen anledning att välja den förvisso småcharmiga hyllningen före originalet, för inget kan slå den äkta varan.

Magnus Bergström

Jonathan Hultén ”Eyes of the living night” (Kscope/Border)

Den karismatiske Jonathan Hultén, fd gitarrist, låtskrivare och extraordinär kreativ motor från hyllade svenska/värmländska metalbandet Tribulation med Arvika-rötter debuterade vårvintern 2021 med sin första soloplatta ”Chants from another place” och lämnade samtidigt sitt tidigare band. Jag gav skivan betyget fyra och skrev så här om Hulténs fortsatta karriär: ”skall bli spännande att följa”. Nu nästan fyra år senare kommer andra plattan ”Eyes of the living night”.

Den dragning åt folkmusik, progg, visor och akustiska toner i Nick Drakes anda som fanns på första albumet har nu utvecklats åt ett än mer suggestivt elektroniskt håll med påtaglig esoterisk och närmast hypnotisk känsla. En neogoth-estetik genomsyrar också det Hultén gör och har kanske blivit än mer tydlig med tiden. Resultatet är hursomhaver lysande och Hultén lever mer än väl upp till de löftesrika förväntningar som tändes med debuten.

Sedan debuten har Hultén också börjat bygga en hängiven fanskara både i Europa och USA och agerat förband till flertalet kända internationella akter som exempelvis The Cult och Myrkur. Nu närmast stundar en turné med brittiska kultbandet Uncle Acid and the Deadbeats. Så det rör på sig. Och med ett så fantastiskt nytt album i bagaget, som ”Eyes of the living night” är, så kommer nog intresset inte heller att minska.

Jag förutspår en lång framgångsrik musikalisk bana för Hultén. Man får hoppas det. Vid sidan av musiken har Hultén ett högkvalitativt och smakfullt konstnärskap med bildskapande – något som också inte minst utnyttjas i design, animationer och illustrationer till skivorna och musikvideos. Det finns ett helhetstänk och en konceptuell struktur som sticker ut i Hulténs artisteri. Hultén är med detta i nuläget Sveriges intressantaste musikartist, i mitt tycke. Och han är värd framgång.

Låtarna då? Jag får gåshud av att lyssna på den här skivan, vilket jag i princip annars aldrig får längre när jag hör ny musik. Med sådan är musikmagin på detta album – den gör det en riktigt bra skiva skall göra. Det här är en blivande klassiker, i någon slags mening. Ett magnifikt andra album, helt enkelt! Låtsnickeri, ljudbild och ja hela produktionen – allt är utsökt genomfört. Det där andra albumet som det ofta sägs vara så svårt att få till. Men det märks inte här.

Lyssna på: ”Afterlife” och ”Dawn”.

Henric Ahlgren

Dream Theater ”Parasomnia” (Inside Out)

Låt mig börja med ”den stora elefanten i rummet”, som sångaren James LaBrie sade till oss i publiken när Dream Theater gjorde ett nedslag i Stockholm på sin framgångsrika 40-årsjubileumsturné. Han menade förstås det faktum att originaltrummisen Mike Portnoy åter sitter på trumpallen.

I mångas ögon/öron är han ”den rätta” och att allt automatiskt blir bättre i och med det. Jag vill påstå att utöver några extra pukrullningar och att trummorna får ta lite mer plats i ljudlandskapet, så är inte skillnaden mot ”ersättaren” Mike Mangini särskilt stor.

Parasomnia är ingen temaskiva rakt igenom men har sömnproblem som tema i flera av låtarna. Till exempel i första singeln Night Terror; ett skolboksexempel på en typisk Dream Theater-låt som innehåller alla deras kännetecken. Något som gäller både bandet som helhet liksom individuellt och det resulterar i en svåremotståndlig progressiv metal-godbit.

Nämnde jag att även föregående intro In The Arms Of Morpheus också låter typiskt Dream Theater? Alltså stämningshöjande som sig bör.

Det sköna är att det i båda fallen inte känns som ett idisslande av samma gamla vanliga låtidéer. Istället är det en skön känsla av att allt är som det ska vara som sköljer över mig. Gott så.

Tredje singeln Midnight Messiah är blytung i verserna och ultrasnabb i refrängerna. Ett grepp som funkar utmärkt och refrängen sätter sig direkt.

James LaBrie är överallt i låten och leverar med besked i en låt som bjuder på vokalrobatik med olika känslo- och tonlägen.

Det är också James röst som är en av två ingredienser som lyfter halvballaden Bend The Clock. Ett skolboksexempel på hur en oefterhärmlig röst kan lyfta en låt som liknar övrigt i låtkatalogen i just den kategorin.

Men frågan är om det inte är John Petrucci och hans själfulla sologitarrspel som är kronan på verket. Jag tvivlar på att någon kan få en gitarr att ”gråta” som han. Inte ett öga är torrt…

Lika väntat som det var med en programförklaring i inledningen är det att Parasomnia avslutas med en koloss till låt. Näst intill 20 minuter av det bästa som erbjuds i genren och både gamla som nytillkomna fans lär unisont nicka gillande med stora leenden på läpparna.

I ärlighetens namn var min spontana känsla efter ett par lyssningar att betyget skulle landa på en trea, men snacka om att vi har att göra med en klassisk växer för varje lyssning-skiva. Betyget är nu hastigt och lustigt närmare en höjning än en sänkning.

Oavsett fullt ställ i stereohögtalare eller i hörlurar finns det massor av musikgodis att kittla hörselgångarna med och Dream Theaters 16:e studioalster är helt enkelt en väldigt bra skiva av ett band som år efter år spelar i en egen liga.

Magnus Bergström

Marko Hietala ”Roses From The Deep” (Nuclear Blast)

Marko är i första hand känd för sina många år i Nightwish* vilket antagligen kan kännas jobbigt emellanåt och vi kan förmoda att det känns befriande att åter igen sitta i förarsätet och gå loss på helt eget material.

Det är lätt att konstatera att den gode Marko är något av en kameleont, eftersom Roses From The Deep och dess tio låtar spretar en hel del och är svår att genrebestämma. Innovativt är ordet för han går helt klart sin egen musikväg och som lyssnare får jag känslan av att han idag är en lycklig man på rätt ställe i livet och skapar musik för sitt eget nöjes skull.

Frankenstein’s Wife är lite av en smygaröppning i form av svängig 70-talshårdrock kryddat med en lagom halvskruvad låttext.

Left On Mars är en duett med ingen mindre än Tarja Turunen (ex-Nightwish) och är föga överraskande en pampig historia med extra allt och är utan tvekan en fullträff. Att deras röster passar tillsammans vet vi sedan tidigare och den här typen av låt är klockren för duon och växer för varje lyssning.

Two Soldiers är en duett med Tuomas Wäinölä (som är med i Markos band) och rösterna får ta stor plats eftersom de enbart ackompanjeras av stråkar och en och annan akustisk gitarrslinga. Ett smart drag för att låta texten hamna i förgrunden – för att inte tala om deras uttrycksfulla röster.

Dragon Must Die har en grundmelodi med stark folkmusikkänsla och svänger som bara den. Det låter dessutom som att Marko har haft extra kul när han sjungit in den för han trycker rejält på enstaka ord och inlevelsen är hundraprocentig rakt igenom.

The Devil You Know bjuder på westernkänsla i verserna men byter spår till ren hårdrock i refrängerna och det greppet fungerar alldeles utmärkt. Från att till en början ha varit lite tveksam till låten är den nu lite av en favorit – så kan det gå! Synd bara att det typiskt ”hårdrockiga” gitarrsolot förstör lite av stämningen.

Impatient Zero stoltserar med skivans smaskigaste refräng och detsamma gäller de skönt gungande verserna. Anrättningen toppas med skivans fiffigaste gitarrspel för att landa i en låt som är med och tampas om en pallplats i matchen om skivans bästa låt.

Roses From The Deep avslutar i stor stil. En stämningsfylld och väldigt välskriven melodiös hårdrockslåt med starka och lättillgängliga progressiva inslag i form av stråkar. Som grädde på moset levererar Marko sin klart bästa sånginsats någonsin. Hans röst är i alla sammanhang alltid omedelbart igenkänningsbar och att han inte låter ”skolad” ger en svåremotståndlig extra personlig touch.

På låtminuskontot hamnar Proud Whore som även om den har en bra refräng med en välsjungande Marko inte vinner det minsta på att titeln upprepas om och om igen. Det blir liksom lite tjatigt.

Likaså är det svårt att blunda för att Rebel Of The North är mer av samma grepp som hörs på annat håll på skivan och tar sig därmed på sin höjd upp till godkäntgränsen. Ett piggt keyboardsolo följt av ett bra gitarrdito är förmildrande men kan ändå inte reparera att låten saknar det lilla extra för att lyfta.

Det var säkert kul för Marko att sjunga på modersmålet finska, men som låt betraktat har inte Tammikuu något i toppen att göra. Istället hamnar den i samma fack som nyss nämnda Proud Whore och Rebel Of The North. Avbytarbänken med andra ord.

Höga toppar men aningens ojämnt låtmaterial med en tråd som drar mer åt det rosa än det röda gör att ett toppbetyg inte är aktuellt. Men att Roses From The Deep är väl värd att införskaffa är det inget som helst snack om.

Det blir förresten intressant att höra om han på nästa soloskiva kommer att fokusera på en mer enhetlig låtinriktning eller om det blir en fortsättning på den inslagna musikvägen med spridda skurar.

Magnus Bergström

*Marko är givetvis också känd från Tarot, Sinergy och för sina olika gästspel.

The Halo Effect ”March Of The Unheard” (Nuclear Blast)

När de minst sagt rutinerade hårdrockarna i The Halo Effect släppte sitt första skivsamarbete Days Of The Lost (2022) närmast tokhyllades den av ”alla”.

Därför känns det skönt att bara några få minuter in på uppföljaren konstatera att det inte finns minsta spår av prestationsångest. Faktum är att March Of The Unheard formligen osar av glädjefyllt musikskapande.

Inledande smockan Conspire To Decieve sätter ribban högt men får redan i andra låten Detonate pisk för här snackar vi tidsresa till ”de bästa göteborgsåren”.

Apropå att få pisk briserar en bomb vid namn Our Channel To The Darkness och då är det minsann game over för låtkamraterna. Fullt ös och ståpälsvaring utfärdas!

Den mer malande och tyngre What We Become är inte långt efter, men får se sig snuvad på målfoto i titelmatchen och detsamma gäller maffiga March Of The Unheard som verkligen lever upp till ”jobbet” som skivtitellåt.

Vi har även Between Directions som är värd en extra guldstjärna, inte minst på grund av det smakfulla stråkarrangemanget. I sammanhanget kan den ses som en ballad med Mikael Stannes patenterade rensång som får ta välförtjänst stor plats i refrängen.

Jag vill även lyfta avslutande Coda; en finstämd instrumental avslutning som ger lyssnaren möjlighet att smälta alla intryck och landa mjukt.

Minus? Den petige kan anmärka på att The Burning Point inte tillför något extra, men eftersom de flesta band i genren skulle ge vad som helst för en låt av den kalibern (gitarrsolot!) är det ändå lätt att bara tacka och ta emot.

Mikaels röst är som vanligt ett föredöme inom melodiös death metal och frågan är inte om han låter bäst i klassen – hans stämband låter helt enkelt bäst, punkt. Kanske att de har mognat ikapp med alla ”finöl” som runnit ner i strupen…

Minst lika utmärkande är de båda gitarristerna Jesper Strömblad och Niclas Engelin, vars karakteristiska melodislingor krokar sig fast och inte släpper greppet om hörselgångarna.

Låt oss heller inte glömma rytmsektionen firma Peter Iwers (bas) och Daniel Svensson (trummor) som är så tajta att de känns som en enda pulserande enhet.

Nu kan det kanske låta av det jag skriver ovan att March Of The Unheard handlar om återbruk av soundet vi alla känner till från Göteborg. Fel! The Halo Effect har helt enkelt förfinat ett vinnande recept genom att skruva upp låtskrivarreglagen till elva och klätt hela härligheten i en livfull och lagom modern ljudskrud.

Utan att överdriva är det motiverat att fråga sig om årets bästa skiva redan är här.

Magnus Bergström

Storace ”Crossfire” (Frontiers/Playground)

Det lär inte finnas någon hårdrockare som har låtit den schweiziska rocklegenden och mångårige Krokus-sångaren Marc Storace passera obemärkt. Otaliga är de låtar som 73-åringen har skänkt oss genom tiderna och varför inte rent av blicka tillbaks till 1980-års Metal Rendez-vous. Bara för att friska upp minnet en smula.

Nej, pensionering är inget som nämns i sådana här sammanhang. I synnerhet inte när den andra soloskivan Crossfire kablas ut på marknaden. Om då vän av ordning frågar sig om det är ett genreskifte i sikte så är svaret nekande. Så varför låter det precis som Krokus? Tja, varför ändra på ett vinnande koncept? Är det ens möjligt att rucka på tidens gång?

Storace har förvånansvärt upprätthållit samma utbud i mer än fem decennier nu och den som hjälper honom med produktionen och låtskrivandet här är ingen mindre än gitarristen Tommy Henriksen (Alice Cooper). Han spelar för övrigt både bas och keyboard på skivan. På stolen bakom trummorna sitter Patrick Aeby (f.d. Krokus). Det är dukat för långbord och på menyn står gammaldags hårdkokt skolrock.

Med Rock This City får vi direkt de välkända riffen – som aldrig går ur tiden – upplagda på silverfat. De nostalgiska känslorna gör sig påminda och den lättillgängliga texten gör det enkelt att sjunga med. Ett mera suggestivt tema uppstår i Adrenaline som låter de passionerade känslorna vid nära möten med kärleken blomma ut.

Vi ligger kvar på de koordinaterna när Love Thing Stealer stjäl uppmärksamheten och ger ett okonstlat ögonblick av djup. Den fiffiga ”Ahahahaha” – kören från Thunderstruck väger in den stora förebilden ändamålsenligt. Positivt och galet rockar Let’s Get Nuts vidare med ett smittande och sorglöst uppror skräddarsytt för en fullsatt arena dränkt av svett och elektrisk energi.

Den medvetet klassiskt, oförfalskade hårdrocken ger sig tillkänna i den nervkittlande Thrill And A Kiss. Rytande toner är alltid välkomna. I synnerhet när de är både luftiga och muskulösa på samma gång. Obestridligt öppnar sig We All Need The Money med drag åt Status Quo-hållet. Kanske just därför ligger min sång i refrängen någonstans där andrastämman borde ligga.

Ytterligare ett kapitel i hårdrockens bibel är adderat. Även om euforin avtar något under de sista låtarna så räcker det till och blir över. Faktum kvarstår att Storaces röst lyser med en rikedom som bara kommer från mångårig erfarenhet. Crossfire är ett album som slår en bro mellan det förflutna och nutid på ett spektakulärt sätt. De 12 spåren är lika tillfredsställande som tidlösa. Inte undra på att jag blir glad när jag står där mitt i korselden.

Thomas Claesson

Voodoo Circle ”Hail To The King” (AFM/Sound Pollution)

Om du lägger örat mot marken och lyssnar så kommer robusta rytmer galopperande mot dig. Det tysk/brittiska hårdrocksbandet Voodoo Circle fortsätter nämligen att rida på sina influenser även på sitt sjunde studioalbum ”Hail to the King”. Relevansen till de stora banden på 70 och 80-talet är markant till skillnad från den egna identiteten som är begränsad.

Det spelar emellertid inte så stor roll för det som är viktigt på det nya albumet är musiken och här ligger fokus tack och lov fortfarande på hårdrock. Det finns trots allt mycket värre saker än att bli inspirerad av kultband. Ett album som ”Hail To The King” kanske inte återuppfinner hjulet rent musikaliskt, men att sticka ner handen i skivbacken och fånga upp albumet kan vara värt mödan.

Eldsjälen och gitarristen Alex Beyrodt försöker med sin nya laguppställning att lägga till en mer modern touch här och där utan att skada eller förlora rötterna till klassisk rock. Och visst finns det musikalisk kreativitet, individualitet och laganda vilket gör att låtarna inte försvinner ut i en omloppsbana. Traditioner måste vidmakthållas och förkroppsligas med alla tillgängliga medel.

Lay Down Your Lovin’ med sina korta elektriska passager ger en karakteristisk introduktion till albumet. Utöver den storvulna gitarren ligger fokus såklart på den exceptionella sångaren David Readman. Efterföljande Let It Rock är självförklarande och lämnar ingenting åt slumpen. Den något dystrare On The Edge med sina fina pianoinstick och kvinnokörer byggs å andra sidan upp till ett episkt monster under de dryga sex minuterna den varar. Andas in andas ut Whitesnake.

Lite förvrängda gitarrskurar blir det när lager på lager med tunga rytmiska riff läggs på Sweet Little Sister. Det bluesiga åttiotalsstuket får sin prägel när sången varierar mellan musikaliskt berättande och innerlighet. Led Zeppelin lyfte en gång i tiden från ståldistriktet i Storbritannien när den brittiska bluesinvasionen hittade sitt ursprung. Inte så konstigt då att Castles Made Of Glass och Black Country fortsätter att sväva mot bergspassen i västra Himalaya bara för att plocka upp de orientaliska intrycken.

Skivknaster och orgeltoner välkomnar Stand Your Ground som vartefter den fortskrider utvecklar Deep Purple-vibbar. En barnkör hakar på Readmans uttrycksfulla röst i refrängen. Alla som har väntat på Rainbows inflytande blir serverade med Billy’s Song, Strangers In The Night och All For One. Den första och tredje låten i den skaran bär Rainbow-keyboardisten Tony Careys signatur. Båda skrevs för 25 år sedan och då var det inga problem att bygga upp en belevad atmosfärisk stadga som många band strävar efter, men få uppnår.

”Hail To The King” är ett hyllningsalbum med passion, intensitet och virtuositet anpassad till andemeningen vilket ger nyckeln till resultatet. Visst kan man vara kluven i om man skulle utelämna två eller tre av de ofta episka styckena till förmån för kortare, krispiga låtar som skulle göra albumet lite mer varierat. Det råder emellertid inget tvivel om kvaliteten på de tolv spåren med över en timmes speltid. Musikerna behöver inte gömma sig bakom de stora förebildernas frontfigurer.

Thomas Claesson

Grand Magus ”Sunraven” (Nuclear Blast/Warner)

Ibland är allt du någonsin behöver i livet ett rent riff, en drivande rytmsektion och en gudalik sångröst. Om du i samma andetag dessutom gillar raka hymner av bredbent stonerrock sammanflätad med undergångs-metal som dryper av dramatik och uppsåt. Ja, då har du kommit rätt nu. Grand Magus ger dig nyckeln till frihet.

Tre killar med säte i Stockholm frambringar heroisk metal med det oslagbara argumentet att rusa rakt in i nästa strid med draget svärd. Här är det inte frågan om att lyssna på fågelkvitter och plocka blommor på ängen. Nej, här handlar det om hjältar och monster, ära och tapperhet, seger och nederlag.

35 minuters musik räcker för att powertrion ska kunna designa vad som är ett slags konceptalbum inspirerat av den berömda anglosaxiska dikten Beowulf. En störtflod bestående av nio låtar utgör den episka berättelsen som strömmar mot dig med sådan kraft att det är omöjligt att värja sig. Putsa rustningen och gör dig redo för nu är det upp till kamp.

Så redan från den inledande låten Skybound kan du känna att den organiska kemin mellan JB Christoffersson (gitarr, sång), Ludwig Witt (trummor) och Fox Skinner (bas, bakgrundssång) svävar över en punkt som har ett enda syfte. Närmare bestämt att utstråla klassisk metal-estetik som oförvanskat leder dig till en fristad av genuin njutning.

Winter Storms är en mäktig mid-temposaga om snöstormar och inre styrka som träffar precis rätt både för sångaren och lyssnaren. Fina melodilinjer dekorerade med explosiva solon bidrar i högsta grad till detta. Den övergripande fascinationen av vargar biter sig fast i Hour Of The Wolf vars olycksbådande öppning övergår till en ogenomtränglig vägg av ljud. Precis som vi vill ha det.

Det blodtörstiga monstret Grendels ögon reflekteras plötsligt i skuggorna och frekvensen på både puls och fotsteg höjs avsevärt. Det förebådar ett spännande äventyr som med kraft arbetar sig in i ditt huvud. Finalen är magnifik och passande när den repetitiva The End Belongs To You breder ut sig. Halvvägs in i akten får Ludwig Witt nog. Såsom hjälte utnyttjar han sina sista krafter och trampar plattan i botten och attackerar hela trumsetet med glödande frenesi.

På tröskeln till 25 år av karriären och med tio fullängdsalbum under bältet träffar Grand Magus återigen målet och bekräftar sig själva som en av de viktigaste verkligheterna i den mest autentiska, uppriktiga och episka formen av heavy metal. Sunraven representerar ännu ett framgångsrikt kapitel i bandets storartade färd på en väg som fortfarande inte känner av några misstag eller motgångar.

Thomas Claesson